Pour son n° 300, « Beaux Arts magazine » a sorti une édition spéciale sur le thème : « Art, Architecture, Design... Qu’est-ce que la beauté ? »
L’idée était ambitieuse : je trouve le résultat excellent ! Et je vous conseille vivement de l’acheter, tant le sujet a été traité de manière intéressante...

Quelques interviews d’architectes qui s’expriment sur la notion de beauté viennent agrémenter un long chapitre sur le thème de l’architecture.  J’y ai noté des réponses pertinentes comme celle de  Xavier Gonzales qui répond que « La beauté en architecture c’est principalement une œuvre qui vous projette dans l’émotion ; l’émotion touche les sens, l’esprit et accède peut-être au divin. La beauté c’est l’émotion. Elle peut être donnée par le « rien », l’infime, le minimal ou au contraire par l’excès, la dimension spatiale comme par le conjonction-fusion architecture & site... »

 Franck Lloyd Wright "La maison de la cascade"

 Miss Van Der Rohe "Pavillon allemand/Barclone

 Je reste pour ma part un fidèle partisan de cette notion d’émotion et de cette approche fusionnelle de la maison avec le site !

Inévitablement, un chapitre est consacré à l’art (peintures et sculptures) toujours sur l’interrogation de « ce qui est beau ou ne l’est pas ... »

Rubens "Le massacre des innocents"

Un sondage surprenant a même été réalisé auprès des français qui jugent cette fois 15 œuvres toutes différentes dans leur approche, leurs dates de création et leurs auteurs. Cela va de Rubens à Damien Hirst en passant par Van Gogh, Picasso, Degas, Bacon ou Rothko...

 Van Gogh " Portrait du Dr Gachet"

Le résultat est sans appel ! Pour une majorité, le goût des français reste classique... « Le massacre des innocents » de Pierre Paul Rubens (1611) est beau pour 87% des français, le « Portrait du Docteur Gachet » de Vincent Van Gogh (1890) l’est pour 84%, alors que des œuvres comme « White Center » de Mark Rothko (1950) ou « Triptych » de Françis Bacon (1976) ne le sont que pour 25% pour le premier et 29% pour le second...
 Rothko "White Center"

Et pourtant... Toutes ces œuvres majeures devraient être considérées comme belles ! Je reste intimement persuadé que l’on ne peut aimer l’art moderne et contemporain sans avoir appris à l’évaluer plus sur l’émotion que sur le sempiternel « ca représente quoi ? » Tout ce qui n’est pas en relation avec la représentation d’un paysage ou d’un visage est une difficulté majeure perceptible pour la majorité des gens...

 Bacon "Triptych"

Que l’on continue donc à éduquer nos enfants en ouvrant les musées, en organisant des expositions d’art moderne de manière à, comme je le dis souvent à propos de La Fondation Demeures du Nord, « éduquer l’œil et éveiller la sensibilité !.. »

BEAUX ARTS Magazine N°300 à acheter et à conserver absolument !

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Enfin une grande rétrospective de ce grand artiste d’origine Russe que je vous invite à voir, tant les chefs d’œuvres présentées sont rares !
Y sont réunies les œuvres de Vassili Kandinsky (1866-1944) appartenant aux trois grandes collections mondiales, celle de la Städtische Galerie in Lenbachhaus de Munich, celle du Solomon R. Guggenheim Museum de New York et enfin celle de Beaubourg, qui les accueille aujourd'hui.
D'autres institutions et fonds privés ont également prêté leurs trésors pour compléter cette rétrospective historique.

Car s’il est un artiste qui a véritablement décidé du destin de l’art contemporain, il s’agit bien de Vassili Kandinsky !

Conscient de ce 20ème siècle qui allait devenir celui des inventions, des nouvelles technologies, de la photographie, et pourrait devenir effroyablement celui de l’oubli et de l’abandon de la peinture, il se mit à la recherche d’une « nouvelle poétique » de son art.
Kandinsky imaginait bien l’immense difficulté de ce dessein. Il se sentait inventeur, nourri d’une mission importante pour la survie, voire « la renaissance » de la peinture.
Aucune forme de révolution ne l’habite pourtant. Il s’agissait plus pour lui, après avoir posé le regard sur le monde présent et à venir, de définir ce nouveau langage plus spirituel qu’académique, plus ornemental que narratif.

C’est dans les années 1910, après être passé d’une période Impressionniste après sa rencontre avec l’œuvre de Monnet, à une période Fauve teintée de folklore slave, que l’abstraction deviendra progressivement , après avoir peu à peu fait disparaître l’anecdotique de la toile, son véritable et définitif langage.

En 1910, Kandinsky peint sa « première aquarelle abstraite ! » Le premier exemple connu d’une œuvre qui ait abandonné toute figuration, toute représentation.
Sa peinture, toujours influencée par son apprentissage de la couleur pure, bien que construite de manière architecturale et constructive, deviendra alors habitée d’une force intérieure inspirée par la musique, les passions intérieures et les sentiments exaltés !
C’est ainsi que ce grand prophète de l’abstraction a progressivement transformé son art en une « abstraction lyrique », ne communiquant plus à présent que par un langage intérieur spirituel.
En transcendant l’art abstrait par le rayonnement de sa peinture, il a enseigné à « ses élèves » que cette forme de liberté n’était finalement dictée que par une « nécessité intérieure. » Ainsi de chaque œuvre, de chaque expression picturale née de cette force intérieure, apparaîtrait « une vérité des formes » qui ne pourrait alors plus être imitée puisque propre à chacun.

Reconnu par tous comme « le libérateur de la peinture », son influence, d’autant que son œuvre reste tellement actuelle, a touché d’innombrables artistes.
Les plus loyaux et les plus significatifs ne procèderont pas à une imitation de sa  peinture, mais perpétueront son art en ne peignant plus l’univers matériel, mais en offrant une interprétation picturale du monde qui habite leur esprit.

En 1974, Gérard Schneider, grand représentant de l’abstraction lyrique d’après-guerre, parla de l’œuvre de Kandinsky dans ces termes :

« …Pour comprendre la portée de l’abstrait par rapport à l’esprit traditionnel de l’art et pour la clairvoyance de son devenir, il faut savoir que « la création pure » de Kandinsky eut une influence déterminante ; la forme traduisant chez lui le sentiment d’un univers cosmique et agissant en libérant l’essence de ses états émotionnels (…)
L’abstrait, pour être complet, doit signifier, parce que ses formes, ses couleurs, sont expressives… »

CENTRE POMPIDOU
Exposition du 8 avril au 10 aout 2009



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« Comme pure représentation de l’esprit humain, l’art s’exprimera dans une forme esthétique purifiée, c’est-à-dire abstraite. »     Piet Mondrian

S’il est vrai que je suis amateur d’art moderne, l’abstraction géométrique, issue des recherches de Mondrian, Malevitch, puis plus tard de Vasarely et Herbin entre autres, représente pour moi un courant essentiel dans l’histoire de la peinture car elle ne veut en rien imiter la nature mais se construit par le jeu des lignes, des courbes et des couleurs.

Tout comme l’architecture j’aime cette peinture; elle repose sur une organisation de l’espace, soit par des lois de construction édictées par les artistes, soit par simple recherche de pureté qui peut aller jusqu’au dépouillement complet, comme l’a fait Malevitch en 1910 en peignant un carré noir sur fond blanc.

Mondrian en fut l’un des principaux précurseurs au travers de son œuvre en simplifiant les moyens plastiques. Il crée ainsi le néoplasticisme et dès 1919, installé à Paris, il commence alors à peindre des toiles basées sur une structure de grille, autour de laquelle sont organisées des couleurs pures.

Cette œuvre influencera nombre d’artistes peintres mais plus encore, influera sur la mode, le design et le marketing !

Gerrit Rietveld, auteur de la mythique « chaise rouge et bleue » en est le principal exemple puisqu’il en conçut les couleurs après sa rencontre avec Mondrian en transposant en trois dimensions la peinture du Maître : noir pour les barreaux comme Mondrian avec ses lignes noires de délimitation. Des couleurs primaires rouge massif et bleu lourd pour les surfaces principales du dossier et de l’assise. Le jaune soulignant les extrémités des barreaux en mettant en valeur toutes les surfaces.

A l’automne 1965, Yves saint Laurent adapte les couleurs Mondrian dans sa collection haute couture, influencé par les couleurs primaires et la forme pure...

Souvenez-vous à présent : ce sont des décors de packagings qui s’inspirent du travail ou du style  de Mondrian. C’est le cas de Studio Line de l’Oréal qui puise directement son décor dans les compositions de Piet Mondrian et qui nous fera comprendre toute la modernité de son œuvre et que plus qu’un mouvement il a finalement créé les  fondements d’une nouvelle forme plastique !

D’autres formes d’art seront influencées par cette nouvelle beauté plastique. J’ai même découvert qu’un groupe de rock australien Silverchair avait détourné de manière heureuse ces lignes pures et ces couleurs primaires pour illustrer leur CD....

C’est ainsi qu’une œuvre devient éternelle. Elle prouve aussi l’importance de la peinture moderne sur les générations futures.

Voilà, très simplement je voulais vous parler de Piet Mondrian (1912/1944), artiste néerlandais ayant longtemps vécu à Paris et dont on ignore encore trop toute la dimension...
Je vous invite à mieux le découvrir au long des nombreux ouvrages qui lui ont été consacrés, et aussi dans les centaines de communications éditées sur le web.

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