“Il ne suffit pas de donner un titre à une œuvre
abstraite pour en faire une œuvre figurative.”
Charles Lapicque

Il aura certainement été l’un des peintres les plus influents de « L’Ecole de
Paris » dont ont fait partie de grands artistes tels que Atlan, Dewasne, Dubuffet, Hartung, Kijno, Lanskoy, Manessier, Pignon, Poliakoff, etc…
Dès le début des années 40, il fut un exemple à suivre pour bon nombre d’artistes de sa génération en inventant de manière audacieuse sa conception de la forme, de l’espace et de la couleur.

Le découvrir ou le redécouvrir aujourd’hui au travers de cette exposition initiée par la Galerie Dorval à Lille est une véritable chance !

J’ai toujours pour ma part aimé cette peinture hardie qui reflète tellement le plaisir qu’il avait de peindre et de faire vibrer la couleur.

Au travers de La Fondation Demeures du Nord et de notre première exposition « Collections Particulières » organisée en 2003 au Palais Rihour, nous avions présenté l’un de ses tableaux qui fut
l’un des plus appréciés.

Dans le catalogue, Philippe Bouchet, Historien de l’Art, avait écrit un texte sur Charles Lapicque que je vous présente ci-dessous. Rien de surprenant, puisque Philippe Bouchet a déjà écrit
plusieurs ouvrages importants consacrés à cet artiste d’exception…

Charles Lapicque
Theizé (Rhône), 1898 – Orsay (Essonne), 1988

Charles Lapicque a une enfance nourrie par les sciences et les arts,
particulièrement la musique, ce qui l’amène à poursuivre en parallèle ces deux vocations. Diplômé de l’Ecole centrale des Arts et Manufactures en 1921, il exerce le métier d’ingénieur qu’il
décide d’abandonner en 1928 pour se consacrer entièrement à la peinture. Après une courte période abstraite, il revient à l’étude de la réalité, attentif à la question de la couleur qui, avec le
dessin, resteront toujours ses préoccupations majeures et les éléments distinctifs de son style dépassant largement le vieux débat de la figuration et de l’abstraction lyrique. La crise l’oblige
à accepter un poste de préparateur à la faculté des sciences de Paris, lieu qu’il mettra à profit pour mener ses études sur la perception et l’échelonnement des couleurs dans l’espace. Dès lors,
ses recherches qui remettent en cause les traités picturaux issus de la Renaissance et sa thèse de doctorat sur “l’optique de l’œil et la vision des contours” soutenue en 1938 influencent
durablement son travail. Membre des Jeunes peintres de tradition française, il occupe une place singulière au sein du groupe constitué au début de l’Occupation. Abandonnant définitivement sa
carrière scientifique en 1943, il adopte ensuite une totale indépendance, poursuivant son travail sur la figuration en traitant ses thèmes de prédilection : la mer (il est peintre de la Marine de
1948 à 1966), les courses, la civilisation antique, la musique, les figures armées. Il en ressort l’image d’un peintre tout à la fois audacieux, dérangeant, et surtout très original : jouant
paradoxalement un rôle d’initiateur dans le domaine de la non-figuration et devançant souvent ses jeunes contemporains de la Figuration libre des années 80.

GALERIE DORVAL
Charles Lapicque (Peintures, gouaches et dessins 1944-1987)

Du 25 février au 27 mars 2010
27 Bd Liberté Lille
tel: 03.20.54.90.05.

 

Beaucoup connaissent mon admiration pour l’œuvre de Kijno dont chaque tableau me propose toujours autant
d’émotion que d’interrogations…Artiste inclassable…
Je ne veux pas en exclure bien sûr, toute ma tendresse pour cet artiste qui à chaque fois que nous avons pu
converser, a su au travers de quelques paroles m’insuffler un peu de sa formidable énergie et me conforter dans mes convictions sur l’Art dont il est et restera l’une des plus grandes figures
contemporaines !

Je souhaitais vous parler dans ce billet de la donation de 16 œuvres magnifiques qu’il a faite au mois de
novembre à  la Ville de Noeux les Mines dans le pas de calais.

« Pour la petite histoire » qui prouve que Ladislas Kijno est un fidèle : c’est tout gosse qu’il arriva, en
1925, de Pologne dans cette petite ville au cœur des mines dans les bras de son père, Joseph Kijno, premier prix de violon au conservatoire de Varsovie. Patriote polonais, Joseph Kijno avait été
déporté en Sibérie après la révolution de 1905 et s’était évadé. Il décida d’émigrer en France avec sa famille. Dans la journée, il travaillait à la mine comme employé, puis le soir, à peine
arrivé dans la maison, il mettait un costume sombre et se mettait à jouer. Il donnait des cours de musique aux gosses de la rue et  on l’appelait « monsieur Joseph » …
Cette enfance « au cœur du charbon », Ladislas Kijno ne l’a jamais oubliée, (jamais reniée non plus). Ses
engagements pour «  la classes ouvrière » en sont sans doute la conséquence, sa soif d’apprendre (il étudiera la philosophie) et de créer en sont bien sûr la volonté de dépasser cette
léthargie qui risque de vous envelopper définitivement dans une vie où peu à cette époque ont su dépasser les frontières de ces corons…

Pour parler donc de cette superbe donation, j’ai finalement opté pour la reproduction intégrale du très bel
article qu’à écrit Bruno Vouters dans La voix du Nord de ce dimanche qui porte un bel hommage à la générosité de Kijno.
Et là, je veux parler non seulement de sa générosité d’avoir offert à cette petite ville de Noeux les Mines
ces16 oeuvres, mais aussi de sa générosité intellectuelle qui est sans doute la principale qualité de cet immense artiste !

Voici donc cet article :

Ladislas Kijno a bonne mémoire… et Noeux-les-Mines où il a grandi a bien de la chance !

Seize oeuvres magnifiques qui jalonnent un parcours aventureux : c’est le cadeau de Ladislas Kijno à la commune
où il a grandi, Noeux-les-Mines… Soulignera-t-on jamais assez le destin hors du commun de celui qui a bousculé les frontières de la peinture en inventant le papier froissé ou en utilisant la
projection glycérophtalique ? …

 Un père
violoniste déporté de Sibérie au début du siècle et débarqué dans le bassin minier en 1925 après un passage à Liège. Une enfance marquée par l’univers de la fosse et la musique. Une jeunesse sous
le signe de l’apprentissage de la philosophie et de la résistance qui débouche sur une tuberculose soignée au plateau d’Assy, près du Mont-Blanc… Un grand feu pour brûler les premiers écrits et
la décision de pratiquer un art « qui n’est pas une esthétique, mais une façon de prier »… 
 
Spéléologie mentale

À Assy, Kijno peint une cène pour la crypte de l’église où figurent des oeuvres signées Matisse, Léger, Braque ou Rouault. À Antibes puis Paris,
Ladislas Kijno a croisé les plus grands : Pablo Picasso, Germaine Richier, Édouard Pignon… Mais il a surtout creusé un sillon très personnel fait de galets, d’écritures blanches, de flèches, de
formes ovoïdes, de cavaliers et de bouddhas, d’icônes planétaires et de compositions poétiques. Sa formule favorite ? « Spéléologie mentale. »

 Sa phrase emblématique ? « Malraux avait tort : la culture n’est pas un supplément d’âme, c’est l’âme tout
court ! » Et Kijno, qui n’en manque pas, vient donc d’offrir à Noeux-les-Mines un hommage à Charlie Parker aussi bien que des oeuvres issues d’un voyage en Chine, d’une méditation sur le Japon ou
d’expérimentations décisives dans la forme, la couleur, le rythme ou l’espace.
Cet ensemble (après un premier don de 2007 : hommage à Mozart et triptyque sur Saint-Exupéry) restera-t-il
définitivement dans la salle de délibérations de la communauté de communes ? Même si la présentation est fort soignée, on rêve d’un lieu qui, à deux pas du Louvre-Lens, pourrait devenir
emblématique.

 Après l’échec de la donation Pignon (natif de Bully-les-Mines, ayant grandi à Marles-les-Mines) comment ne
pas espérer que la reconversion d’un site fasse place à la création régionale ? Dans ce secteur on ressent aussi les ondes de Lesage ou Crépin, figures de proue de l’art brut ! •

BRUNO VOUTERS

               Lucien Wasselin qui a expliqué
l’oeuvre de kijno lors de l’inauguration.                

 Les oeuvres sont visibles à l’hôtel communautaire, rue Léon-Blum, du lundi au vendredi de 15 h à 17 h 30, le premier dimanche de chaque mois de 15 h à 17 h 30. Des visites
guidées sont proposées avec projection d’un film très réussi (tarif : 3 euros).
Rens. : 03 21 54 78 00

.

                              
KIJNO

Une idée fort sympathique pour les fêtes de fin d’année proposée par la Galerie Dorval à Lille…

Loin des traditionnels cadeaux, pourquoi ne pas offrir une œuvre d’art qui au-delà du fait qu’elle continuera à
prendre de la valeur au fil du temps, restera un plaisir de tous les jours pour les yeux et ornera fièrement votre intérieur !

Caroline et Régis Dorval ont sélectionné à cette occasion  une cinquantaine de tableaux de petits et moyens
formats, certes, mais dont les auteurs sont tous de grands maîtres de l’Art Moderne !
Je pense à BRYEN, CLAISSE, DODEIGNE, ERRO, GODON, GRISOR, HERBIN, KIJNO, LE CLOAREC, LIOT, MONORY, PIGNON, UBAC,
WESSELMAN …

                                          
MONORY

Une belle œuvre d’art, ne se juge pas en fonction de son format : paradoxalement, certaines œuvres de petit
format ont plus de valeur que des grands formats, sous réserve bien entendu, de la qualité de celles-ci…

J’ai eu la primeur, (et oui..) de les découvrir en avant première, et je prétends que certaines d’entre elles
sont de « très belle facture » !

Je trouve même que ces formats toujours bien encadrés sont de véritables bijoux et augmentent peut-être toute la
subtilité de la création, tant l’œil se concentre sur l’œuvre !

                                    
LAGAGE

PETITS FORMATS DE NOEL
« Valeurs sûres »
Du 2 décembre 2010 au 8 janvier 2011
Galerie Dorval
27 boulevard Liberté Lille

.

Le Tri Postal accueille jusqu’au 29 novembre 2009, une rétrospective unique de 50
années de travail de Peter Klasen, (près de 150 oeuvres,) au travers d’un parcours chronologique.

 Ce grand artiste né en Allemagne en 1935 est l’un des pionniers du mouvement de la Figuration Narrative pour lequel La Fondation Demeures du Nord a consacré une grande exposition il y a
maintenant 2 ans, et avait présentée plusieurs œuvres majeures de cet artiste international!
Le site qui lui était dédié est encore en ligne sur www.figuration-narrative2007.com…

Apparue au début des années 1960 et caractérisée par un retour à la figuration, la tendance de la Figuration Narrative n’est pas représentée par un groupe organisé mais par un certain nombre
d’artistes, appartenant la plupart, à une même génération, et qui s’exprimèrent individuellement. Si la figuration narrative n’a jamais établi de théorie ni constitué de groupe, cette tendance
apparaît au début des années 1960. En opposition à l’abstraction et au Pop Art, les artistes affirment leur intérêt particulier pour la réalité quotidienne, sociale et politique de leur
époque.
Pour déconstruire la perception du temps, les artistes s’inspirent de formes d’expression : narrative comme la bande dessinée et le cinéma ; réaliste comme la photographie documentaire ; voire
commerciale comme la publicité.

Peter Klasen est l’un des représentants les plus marquants de ce mouvement. Il place la société contemporaine et ses images au cœur de ses travaux artistiques.
Il s’inspire du cinéma, de l’environnement urbain et social, de l’univers industriel…

Philippe Bouchet, Historien de l’Art a écrit dans le catalogue que nous avions édité pour notre exposition « La Figuration Narrative », un texte très pertinent sur Peter Klasen
:

« Dans la production de la Figuration narrative, l’œuvre de Peter Klasen est
sans aucun doute celle qui manifeste de la manière la plus radicale une vision aseptisée du quotidien et de sa cruelle banalité. Habitées d’une réelle tension, parfois même d’un sentiment
d’angoisse, ses toiles montrent, dès le début des années 60, un goût prononcé pour l’érotisme et les objets du monde hospitalier, leur association contribuant d’ailleurs à la froideur des
compositions peintes à l’aérographe sur un dessin très précis d’après la projection de diapositives. En pratiquant le cadrage resserré, voire le gros plan, en tirant partie des jeux de lumière
passablement accentués par l’usage du noir et blanc, Klasen manifeste dans ses toiles la fascination qu’il éprouve, comme nombre d’artistes de sa génération, pour le cinéma. Attestant d’ailleurs
de sa démarche créatrice, l’univers stérile qu’il élabore n’exclut pas, comme le souligne quelquefois le titre de ses œuvres, une narration rendue possible par le séquençage des images et des
objets représentés. Un peu plus tard, vers 1974, l’humain tend à disparaître de ses toiles, contribuant ainsi à rendre compte avec encore plus d’évidence de la solitude et de la violence du monde
moderne. »

Je vous conseille vivement cette exposition qui a la qualité de montrer une œuvre
structurées et dense en y présentant ainsi différentes périodes bien définies.
L’oeuvre de Peter Klasen cristallise des inquiétudes, rassemble des symptômes tout en provoquant la réflexion et libérant l’imaginaire. À la fois collages et photos réinterprétées à
l’aérographie, ses créations s’inspirent de la réalité urbaine, de ses signes, de ses codes.

Le Tri Postal
Avenue Willy Brandt, Lille (Métro Gare Lille Flandres)
Exposition visible jusqu’au 29 novembre 2009
Mercredi au samedi : 14h – 19h / Dimanche : 10h – 19h

Tarifs : Tarif plein 5 euros / Tarif réduit 3 euros
.

Allez ! Quelque mots encore au sujet de cette exposition que j’ai découvert dans son
ensemble lors du vernissage qui a eu lieu hier soir…
Je savais pour avoir eu connaissance de quelques-unes de ces œuvres, que ce serait une expo de grande qualité…
Mais à ce point : non ! J’avoue avoir été complètement stupéfait par la beauté de l’ensemble de ces peintures ! Pourtant, depuis des années je fréquente beaucoup toutes sortes d’expositions d’art
moderne… Celle-ci restera pour moi l’une des plus belles qu’il m’ait été donné de voir !

Tout d’abord, le choix de chaque tableau réalisé par Régis Dorval, fait qu’il n’y a que du « très bon »… Ensuite, la cohabitation entre ces 2 artistes abstraits fonctionne à merveille malgré une
identité propre à chacun…

Claude Georges – Elément jaune 1956 – 130 x
97cm

Redécouvrir un artiste comme Claude Georges, c’est un bonheur tant la subtilité de la forme et des couleurs est évidente : cet artiste fut un grand artiste parmi les grands. Les formes qu’il
mettait en scène, (nous sommes alors dans les années 50), comme suspendue dans l’espace, sont toutes teintées de délicatesse, de contrastes délicats, malgré une gestuelle que l’on sent franche mais
toujours maitrisée !

Claude Viseux – Inquisition 1956 – 130x97cm

Même bonheur que de regarder les œuvres informelles de Claude Viseux : le geste se veut plus violent et les contrastes de couleurs plus osés…  Au même titre que de grands artistes comme
Jackson Pollock, Hartung, Mathieu ou Tobey, la peinture de Viseux  est une peinture très gestuelle. Elle envahit presque tout l’espace pictural. La couleur s’y anime de manière impalpable,
parfois dans des traits épais, parfois dans de subtils aplats frôlant la transparence…Tout cela ne bascule pas dans l’incohérence ou la vulgarité mais dans la très simple évidence qu’une œuvre
basée sur le geste même parfois violent, peut par ce chemin atteindre une grande subtilité, une sorte de spiritualité.

Les œuvres de Claude Georges et de Claude Viseux pour ceux et celles qui les auront approchées, seront alors reconnaissables à vie ! (Ce principe d’identité propre aux très grands artistes…)

L’Histoire de l’Art qui a déjà classé ces 2 artistes parmi les figures marquantes de l’abstraction d’après-guerre, saura, j’en suis à présent intimement convaincu, se rappeler qu’ils furent malgré
une célébrité moins marquée que pour d’autres, 2 des plus géniaux peintres abstraits du 20ème siècle !

Voilà : c’est dit ! Il me tenait à cœur d’à nouveau vous engager vivement à vous rendre à cette exposition. Que ce soit pour admirer ou acquérir une œuvre.  Celles ci mériteront au fil du
temps bien plus que le prix qui est aujourd’hui proposé !  C’est pour moi une certitude !

J’oubliais ! Amenez vos enfants : expliquez-leur bien que ces œuvres tellement modernes ont toutes été créées il y a un peu plus de 50 ans !

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Le Nord est une terre riche de collectionneurs : on le sait bien ! Et c’est tant
mieux, surtout lorsque ces œuvres quittent (parfois momentanément) leur cadre privé pour s’exposer au public !
C’est le cas pour de magnifiques œuvres peintes de Claude Georges et de Claude Viseux, datant des années 50, à cette époque où l’Ecole de Paris triomphe sur la scène
internationale…

Régis et Caroline Dorval nous gâtent à nouveau en cette rentrée de septembre en nous
présentant une sélection « en duo » de magnifiques peintures de ces grands artistes bien connus d’un public averti, mais à mon goût, trop peu présentés au grand public ! Ils méritent cette
reconnaissance de part la qualité de l’ensemble de leurs œuvres respectives et de l’intérêt que leur ont porté les grands musées internationaux, les célèbres galeries d’art moderne et bien sûr de
nombreux collectionneurs à travers le monde entier !

Il s’agit de deux artistes aujourd’hui disparus, qui font régulièrement l’objet
d’expositions dans les musées et qui ont été découverts par René Drouin, le célèbre galeriste d’après-guerre qui fit entre autres l’exposition des otages de Fautrier en 1944 et la première
exposition de Dubuffet en 1946.
(Il avait à l’époque comme secrétaire Léo Castelli qui d’ailleurs à New York exposa Claude Viseux tandis qu’en même temps Bayeler exposait Claude Georges à Bale.)

Les 26 tableaux de cette expo proviennent de la collection privée d’un
collectionneur averti du Nord tous acquis entre 1953 et 1958 à la galerie de la place Vendôme puis de la rue Visconti de René Drouin.

Claude Viseux – Composition- 1956 – 114 x 146cm

L’œuvre peinte de Claude Viseux, dont les formes relèvent de l’abstraction, se révèle par le don de la gestualité et le travail de la matière qui l’apparente à l’art informel.
Celle de Claude Georges, abstraite aussi, tend vers une certaine dimension spatiale.

Claude Georges – Composition – 1957 – 130 X 162cm

Quelques unes de ces œuvres ont été prêtées dans des musées comme le musée Ingres de Montauban ou le Musée de l’Abbaye de Beaulieu mais la plupart sont inédites.

La galerie Dorval propose une relecture de ces oeuvres d’ artistes un peu méconnus pour certains comme il y a 10 ans c’était aussi le cas pour des artistes comme Marfaing ou Hantai que l’on a
redécouvert depuis avec bonheur !

Une exposition au cœur de Lille à découvrir absolument !

Galerie Dorval
27 bd de la Liberté
Lille
24 septembre au 24 octobre 2009

Un sondage organisé par Le Figaro en juillet a voulu révéler quels étaient les
artistes du 20 ème siècle préférés des français. La rigueur de ce sondage n’a pas été seulement le fait que des milliers de lecteurs y ont répondu, mais qu’ils ont pu le faire par catégorie,
selon les périodes et leurs prestations… En voici les Top 5 :

ART CONTEMPORAIN :

1/ Pierre Soulages
2/ Lucien Freud
3/ Yan Pei-Ming
4/ Sophie Calle
5/ Anselm Kiefer

Pierre Soulages

C’est donc cet immense artiste français encore vivant, (il fête ses 90 ans cette année), qui fut une grande figure de l’Ecole de Paris auprès de Hartung, Schneider, avec lesquels ils formèrent le
trio le plus convainquant de l’abstraction lyrique d’après-guerre, qui est plébiscité par le public…  lui dont la peinture a évolué vers ces grands aplats de couleur « noir-lumière »,
comme une sorte d’apogée de son œuvre…

Soulages 1950

SCULPTURES ET INSTALLATIONS :

1/ Alberto Giacometti
2/ Constantin Brancusi
3/ Alexandre Calder
4/ Cesar
5/ Henri Moore

Giacometti 1960

Giacometti arrive loin en tête par la singularité de son œuvre… Une œuvre exceptionnelle c’est vrai, mais qui pour moi, (avis très personnel), n’arrive pas à la sensualité d’œuvres d’Henri
Moore ou de Brancusi… Et pourquoi pas Calder qui a révolutionné la sculpture en lui offrant la 4ème dimension ?
Difficile à voter tant ces 5 artistes ont apporté pour chacun des œuvres si différentes…

Henri Moore

ART MODERNE :

1/ Paul Cézanne
2/ Pablo Picasso
3/ Salvador Dali
4/ Henri Matisse
5/ Vassily Kandinski

Les français ont élu bien évidemment 5 « monstres sacrés » de l’art moderne ! Pratiquement inclassables tant chacune de leurs œuvres a contribué à faire entrer définitivement l’art moderne dans
l’Histoire de l’Art…
Pour Paul Cézanne ils ont évidemment jugé sa période où de quelques géniaux traits abstraits,  il célébrait « sa Montagne Ste Victoire ».

ART D’APRES GUERRE :

1/ Francis Bacon
2/ Edward Hopper
3/ Andy Warhol
4/ Mark Rothko
5/ Jackson Pollock

Francis Bacon

Francis Bacon, peintre de la tourmente, de la Corrida humaine, arrive en tête… Etonnant que le « grand public » ait choisi cet immense artiste  face à des peintres plus faciles « à lire »
comme Warhol, Hopper ou des abstraits comme Pollock et Rothko… Tant mieux : Bacon a le génie de la couleur, de l’expression… Les sondés y ont vu sa préférence à « peindre le cri plutôt que
l’horreur… »

Voilà donc le résultat de ce sondage : Au fond, il démontre que beaucoup de français
ont une bonne vision de l’histoire de l’Art Moderne et Contemporain… Bien sûr, certains penseront que certains artistes manquent dans ces « Top5 »… Bien sûr on n’a ni parlé de Dubuffet ou
Mondrian qui pour moi sont des étoiles trop oubliées dans ce sondage.

Jean Dubuffet

Mais bon… L’ Histoire est tellement riche de grands artistes : et c’est tellement heureux !

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Malgré un budget largement à la hauteur des ambitions de Lille 3000, l’édition ” Europe XXL ” semble avoir déçu !

En effet, un sondage en cours sur le web organisé par La Voix du Nord, nous apprend déjà que sur plus d’un millier de personnes interrogées 5,1% seulement considèrent que 2009 aura été un
excellent millésime, 5.1% disent que c’était bien mais en dessous de ce qu’ils imaginaient, 37% déclarent qu’ils sont passés complètement à côté, et… 52.7% demandent : « C’est quoi Lille 3000 ? »
Ces chiffres ne devraient que très peu évoluer…

Et pourtant on annonce aux alentours de 950 000 visiteurs. Si l’on excepte les 210 000 de la parade d’ouverture, celà représente 740 000 visiteurs dont 457 000 se sont rendus aux expositions…
Mieux que pour Bombaysers! Est-ce pour autant un succès? Ce sondage démontre que le chemin est encore long… Il n’analyse pas la fréquentation, mais plus la satisfaction.

Je ne veux pas polémiquer sur ces résultats ou politiser mon propos… En tant que responsable de La Fondation Demeures du Nord, je prétends que la Culture doit être présentée plus simplement et
qu’une trop grande multiplication d’expositions et de manifestations durant un Festival Culturel peut nuire à la visibilité, à la qualité ou provoquer de la confusion dans l’esprit du
public…

 Les Anges et Démons du
collectif russe AES+F

Une seule grande exposition est parfois plus efficace pour émouvoir le public  – n’est-ce pas là le but recherché – qu’un
programme très fourni et très éclectique qui occulte par sa densité certaines manifestations qui auraient mérité plus d’attention. (Je pense par exemple aux œuvres de Jean Arp, Victor Brauner,
Duchamp, Max Ernst, Hantaï, Klee, Kupka, Masson, Miró, Man Ray,  Sima, Sophie Taeuber-Arp, qui ont été exposées à l’exposition HYPNOS à l’Hospice Comtesse…) L’expo Kandinsky à Paris a déjà
attiré à elle seule plus de 400 000 visiteurs!

Mais peut-être y a t’il confusion dans l’esprit du public entre Art et Culture… Un programme comme celui-ci invitait plus à une découverte de l’Europe des 20 années qui ont suivi la chute “du
mur”… Ni plus, ni moins… Tout celà au travers d’expositions, installations, spectacles de danse, de théatre et de musique…

Le thème général (qui n’a pas été toujours bien compris) était délicat, voir périlleux ! Ce voyage proposé depuis Berlin jusqu’au Kazakhstan, bien qu’intéressant, pouvait-il vraiment interpeler
tous les publics ? Le profane en quête d’apprendre ou de mieux connaître l’Art pouvait-il véritablement ne pas être dérouté par cette approche artistique internationale particulièrement variée
dans les sujets, naviguant entre Art, culture sociale et politique..?

Il y a une demande d’un large public de pouvoir mieux connaître et comprendre l’Art de notre temps… Des dizaines de sondages l’ont prouvé : c’est cela qui m’intéresse ! La fréquentation
démontre aussi cette volonté du public d’aller à la rencontre de l’Art…et de la Culture.

J’ai toujours souhaité au sein de La Fondation Demeures du Nord que l’Art soit présenté de manière simple, ludique et surtout compréhensive! Lille 2004 en avait été un excellent exemple…
Nos expositions Vasarely, Paul Jenkins, La Figuration Narrative, l’ont été aussi…

A qui doit s’adresser un tel Festival ? Au grand public ? A un public averti ? Aux jeunes ? Aux journalistes et critiques d’Art ? Aux étrangers?
Pour ma part, j’ai la conviction que comme le disait Vasarely « si l’Art ne déborde pas du cadre des connaisseurs, il mourra d’asphyxie ! » Et ce ne sont pas les fêtes d’ouverture ou de finale
qui pourront occulter ces résultats : ce ne sont pas les inaugurations qui importent, mais bien le contenu et l’estime du public face aux œuvres !

En tout cas, si seulement  5% déclarent que
« ce cortège » de 4 mois aura été un grand millésime, c’est qu’il y a soit un défaut de communication et d’explications, soit une erreur de casting ! Et je sais combien la communication est un
axe délicat en matière de manifestation culturelle et se doit d’être perçue de manière claire afin de donner envie au public de se plonger dans ces différentes manifestations … Ne pas s’y
rendre comme par simple curiosité.

Je connais bien certains responsables de la Culture Lilloise et je sais leur volonté et leur dévouement pour que Lille continue son combat pour devenir l’une des grandes places européennes de la
Culture : c’est un dessein difficile, ambitieux, et je ne veux pas les blâmer ou dissimuler toute l’énergie dont ils ont encore fait preuve…
Au fond, il leur appartient simplement d’écouter les réactions du grand public et d’en tirer les conséquences pour le futur…

Ne parlons donc pas d’échec (il ne concerne que ceux qui ne font rien):  mais plus de la déception de constater qu’autour de moi on en ait peu parlé et d’avoir si peu senti
l’enthousiasme, l’émotion…  Cette émotion qui est propre à l’Art !

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Pour son n° 300, « Beaux Arts magazine » a sorti une édition spéciale sur le thème : « Art, Architecture, Design… Qu’est-ce que la beauté ? »
L’idée était ambitieuse : je trouve le résultat excellent ! Et je vous conseille vivement de l’acheter, tant le sujet a été traité de manière intéressante…

Quelques interviews d’architectes qui s’expriment sur la notion de beauté viennent agrémenter un long chapitre sur le thème de l’architecture.  J’y ai noté des réponses pertinentes comme
celle de  Xavier Gonzales qui répond que « La beauté en architecture c’est principalement une œuvre qui vous projette dans l’émotion ; l’émotion touche les sens, l’esprit et accède peut-être
au divin. La beauté c’est l’émotion. Elle peut être donnée par le « rien », l’infime, le minimal ou au contraire par l’excès, la dimension spatiale comme par le conjonction-fusion architecture
& site… »

 Franck Lloyd Wright “La maison de la cascade”

 Miss Van Der Rohe “Pavillon allemand/Barclone

 Je reste pour ma part un fidèle partisan de cette notion d’émotion et de cette approche fusionnelle de la maison avec le site !

Inévitablement, un chapitre est consacré à l’art (peintures et sculptures) toujours sur l’interrogation de « ce qui est beau ou ne l’est pas … »

Rubens “Le massacre des innocents”

Un sondage surprenant a même été réalisé auprès des français qui jugent cette fois 15 œuvres toutes différentes dans leur approche, leurs dates de création et leurs auteurs. Cela va de Rubens à
Damien Hirst en passant par Van Gogh, Picasso, Degas, Bacon ou Rothko…

 Van Gogh ” Portrait du Dr Gachet”

Le résultat est sans appel ! Pour une majorité, le goût des français reste classique… « Le massacre des innocents » de Pierre Paul Rubens (1611) est beau pour 87% des français, le « Portrait du
Docteur Gachet » de Vincent Van Gogh (1890) l’est pour 84%, alors que des œuvres comme « White Center » de Mark Rothko (1950) ou « Triptych » de Françis Bacon (1976) ne le sont que pour 25% pour
le premier et 29% pour le second…

 Rothko “White Center”

Et pourtant… Toutes ces œuvres majeures devraient être considérées comme belles ! Je reste intimement persuadé que l’on ne peut aimer l’art moderne et contemporain sans avoir appris à l’évaluer
plus sur l’émotion que sur le sempiternel « ca représente quoi ? » Tout ce qui n’est pas en relation avec la représentation d’un paysage ou d’un visage est une difficulté majeure perceptible pour
la majorité des gens…

 Bacon “Triptych”

Que l’on continue donc à éduquer nos enfants en ouvrant les musées, en organisant des expositions d’art moderne de manière à, comme je le dis souvent à propos de La Fondation Demeures du Nord, «
éduquer l’œil et éveiller la sensibilité !.. »

BEAUX ARTS Magazine N°300 à acheter et à conserver absolument !

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Du 28 mai au 27 juin, la Galerie Dorval expose une sélection d’œuvres de ce grand artiste tant apprécié dans notre région. (Une grande rétrospective lui a été consacrée au Musée
des Beaux Arts en 2000 ;  Kijno a aussi réalisé la grande rosace pour la façade ouest de la cathédrale Notre-Dame de la Treille à Lille.)
Picasso disait de lui : « Un peintre de notre équipe mérite une meilleure attention. Souciez-vous de Ladislas Kijno qui ne froisse pas que des papiers. C’est un artiste puissant, un peu fou
peut-être, et trop enclin à philosopher (…) Si vous le voyez, conseillez-lui de se consacrer uniquement à sa folie… »

Pour avoir eu le privilège de parler longtemps avec lui, (il m’a tant encouragé à poursuivre le difficile dessein de La Fondation Demeures du Nord),  et la chance de vivre avec quelques unes
de ses œuvres, je tiens à souligner l’importance de cet artiste dans l’histoire de la Peinture Moderne dont la mémoire saura retenir l’identité très marquée d’une œuvre dense et quasi-inclassable
où se retranscrivent toutes les interrogations, les indignations et les exaltations de ce grand humaniste.

Lors de la première exposition de La Fondation Demeures du Nord que nous avions faite au Palais Rihour (« Collections Particulières »), nous avions exposé une œuvre majeure de Kijno et Philippe
Bouchet, Historien de l’Art avait écrit une notice dans le catalogue de l’exposition à propos de cet artiste:

« Né à Varsovie, Ladislas Kijno arrive en France après une longue émigration de sa
famille qui s’installe définitivement à Nœux-les-Mines en 1925. Elevé dans un environnement musical – son père est premier prix de violon du Conservatoire de Varsovie et enseigne la musique après
son travail dans les mines – il dessine et peint très tôt tout ce qui l’entoure. Au début des années 40, alors qu’il a entrepris de brillantes études de philosophie à l’université de Lille, il
fait ses premières expériences picturales, réalisant des dessins et des gouaches sur les motifs des instruments et des musiciens. Très vite, attiré par les formes ovoïdes, il évolue vers
l’abstraction. Dès 1946, il réalise ses premières recherches sur l’espace sculpto-pictural et sur le froissage, technique qu’il exploitera plus tard et avec laquelle il connaîtra un certain
succès, notamment lors de la présentation de trente grandes toiles froissées présentées au pavillon français de la Biennale de Venise en 1980. Après avoir détruit la totalité de sa production, il
s’installe en 1956 à Antibes où, pendant les deux années de son séjour, il découvre le monde du soleil et reçoit la bénéfique influence d’Alberto Magnelli qui l’encourage dans sa démarche
créatrice. Réussissant à mêler harmonieusement peintures à l’huile et peintures glycérophtaliques avec spray, il travaille à la série des Galets (1957-59) caractérisée, à l’inverse des travaux
des abstraits lyriques, par des compositions structurées dans de belles palettes sobres dont les premières œuvres sont présentées au musée Picasso à Antibes en 1957. Refusant le débat réducteur
abstraction-figuration, Kijno continue ses recherches sérielles en variant formats – petites toiles et grandes surfaces – et techniques – peinture, papier froissé, empreinte, sculpture,
tapisserie, mosaïque – pour élaborer une œuvre dont les enthousiasmes, les interrogations et les convictions se trouvent nourris de son engagement en faveur de l’insertion de l’art dans la
société. C’est cette position de l’artiste qui a été mise en lumière lors de l’exposition rétrospective organisée au palais des Beaux-Arts de Lille de mai à octobre 2000. »

Régis et Caroline Dorval qui exposent donc ses œuvres sont très proches de Kijno, et lui vouent une magnifique fidélité. La connaissance qu’ils ont de son oeuvre leurs permettent de présenter à
chacune des expositions qu’ils lui consacrent une sélection de tableaux majeurs qui expriment parfaitement l’importance de cet artiste contemporain.

KIJNO « Oeuvres choisies »
Du 28 mai au 27 juin 2009
Galerie Dorval
27 Boulevard de la Liberté Lille
03.20.54.90.05